Votez tous les jours jusqu’au 15 janvier pour Corneille sur le site nrjmusicawards.nrj.fr dans le cadre des NRJ Music Awards 2012 (catégorie Artiste Masculin Francophone de l’Année). De nombreux lots sont à gagner sur sa page facebook. Restez connectés!

En moins de dix ans, Corneille a su s’imposer comme un artiste essentiel, inclassable. Parce Qu’on Vient De Loin, splendide album dont le titre faisait directement référence à son enfance rwandaise, révélait une sensibilité hors du commun, mais aussi un don certain pour la mélodie.

Depuis cette fulgurante carte de visite, Corneille, accompagné de son gang de musiciens canadiens, a convaincu le grand public que sa présence scénique était à la hauteur de ses productions discographiques.

Mais le statu quo n’existe pas quand on est un artiste. La prise de risque fait partie de la vie des chanteurs. Corneille le sait mieux que quiconque. C’est pourquoi en 2007, il a proposé à ses fans The Birth Of Cornelius, un album en langue anglaise sorti aux Etats-Unis sur le prestigieux label Motown. En 2009, il sort Sans Titre, coécrit avec sa femme Sofia De Medeiros. « C’était un album fait dans un état d’esprit particulier, presque en isolement complet, sans me soucier de la réception qu’il pouvait avoir. Quand on a atteint une certaine notoriété, il y a des questions qu’on se pose, on se demande ce que le public attend et on essaie de s’en éloigner pour retrouver une pureté artistique. Sans Titre, c’était une façon de réagir contre quelque chose que j’avais mal vécu avec la notoriété ».

Peu de temps après, Corneille devient père. Un événement qui a son importance sur l’écriture de son nouvel album, qu’il commence à concevoir en 2010. « J’ai pris ma plume et mon calepin, j’ai écrit. C’était en été, et je ne savais pas trop dans quelle direction j’allais. Ça coïncidait avec la naissance de mon fils, et la paternité m’a amené beaucoup d’humilité. En plus, c’était la première fois que de mon vivant, le monde traversait une vraie crise économique. J’avais des amis qui avaient du mal financièrement, plein d’artistes confirmés ont connu le même problème que moi. Et j’ai relativisé en écrivant. Je fais de la musique pour que les autres l’entendent ».Le changement est fulgurant, la maturité évidente. Une nouvelle étape est franchie.

Quitte à évoluer, autant y aller franchement. Cette fois, Corneille ne conçoit pas son disque avec son équipe habituelle. Le destin lui fait un clin d’œil : il retrouve Marco Volcy, un musicien avec lequel il avait enregistré ses premières maquettes et qui, hasard, habite juste à côté de chez lui. « On ne s’était pas vus depuis dix ans ! » raconte Corneille. « On a fait une chanson pour une compilation, et ça a été tellement facile que je lui ai proposé de collaborer à deux ou trois morceaux sur mon nouvel album. Histoire de voir où ça nous menait. En une session de trois heures, on avait fini “Au Bout De Nos Peines“. Ça m’a tellement plu que j’ai eu envie d’enregistrer tout l’album avec lui ».

Corneille a trouvé son double. Marco façonne en sa compagnie les sons de ce projet ambitieux qu’est Les Inséparables. Cinq mois de travail, trois jours par semaine, et le disque est enregistré. On y entend les influences de ce R&B hip-hop américain qui passionne Corneille. On y entend aussi les guitares de Lokua Kanza sur « Au Bout De Nos Peines » et « Les Inséparables ». Un clin d’œil à l’Afrique et à cette musique congolaise que Corneille écoutait enfant, au Rwanda. L’album assure un équilibre subtil entre la soul, la chanson populaire et le R&B, avec cette touche rapologique qui est désormais le nouvel élément du nouveau son griffé Corneille. Un son ouvert, à l’écoute des bruits d’aujourd’hui, celui d’un artiste en prise direct avec le présent, sorti de sa bulle.

« Le Jour Après La Fin Du Monde » s’impose comme le premier single. Une chanson qui n’a rien d’apocalyptique à part son titre, mais témoignant des nouvelles préoccupations du chanteur qui se demande désormais comment son gamin va grandir dans ce monde matérialiste. « Que fera-t-on quand l’Aston n’impressionnera plus personne ? », s’interroge-t-il. Après quelques années d’observation, Corneille a plongé dans le bain du rap français avec « Le Meilleur Du Monde », sur lequel il tend le micro à TLF. Une réussite qui lui a donné envie de continuer sa collaboration avec les têtes du hip-hop. Quand il compose « Des Pères, Des Hommes Et Des Frères », il laisse seize mesures pour un rappeur. « Il me fallait quelqu’un avec un flow US. La Fouine, on sent qu’il est très influencé par les rappeurs américains, mais il le fait à sa sauce ». Et Laouni/La Fouine relève le défi, écrivant son texte d’une traite. Sur « Au Bout De Nos Peines », le Marseillais Soprano amène son accent, son énergie et son humanisme.

Le fil conducteur de l’album, c’est la paternité. « Je m’en suis rendu compte une fois l’album fini », explique Corneille. « “Tout Ce Que Tu Pourras“ est une chanson pour mon fils. “Les Inséparables“ m’a été inspiré par ce discours sur l’identité qu’on entend à tort et à travers. C’est un point très sensible chez moi. Je suis né en Allemagne, à six ans on m’a débarqué au Rwanda, à 17 ans il a fallu que je retourne en Allemagne, je suis au Canada aujourd’hui et ma carrière a commencé en France. À chaque fois qu’on me parle d’identité, ça vient me gratouiller un petit peu. Cette chanson, c’est pour dire quelque chose qu’on entend peut-être souvent mais qu’il est important de souligner, c’est qu’on fait partie d’une génération qui ne veut pas qu’on se sépare. Sur tout l’album, il est question d’unité ».

Les Inséparables, c’est le retour de Corneille dans la cour des grands. Un album ambitieux, émouvant, celui d’un artiste qu’on ne présente plus, mais qui n’a définitivement pas fini de nous étonner et de nous toucher.

Olivier Cachin

04/02/2012 – Salle Daniel Fery, NANTERRE (92) (France)
07/02/2012 – Centre Culturel, PORTO VECCHIO (20) (France)
08/02/2012 – L’espace Julien, MARSEILLE (13) (France)
10/02/2012 – L’Omnibus, SAINT-MALO (35) (France)
12/02/2012 – File 7, MAGNY LE HONGRE (77) (France)
15/02/2012 – Le Bataclan, PARIS (75) (France)
17/02/2012 – L’Atrium, FORT DE FRANCE (Martinique) (France)
18/02/2012 – P.a de Jarry, BAIE MAHAULT (Guadeloupe) (France)
22/02/2012 – La Laiterie, STRASBOURG (67) (France)
08/06/2012 – Le Transbordeur, LYON (69) (France)

Entre jazz et soul, pop et rock, musique africaine et biguine, des Caraïbes au Grand Nord américain, FM Laeti a longuement voyagé. La chanteuse et son groupe ont avalé des milliers de kilomètres et de sons divers qu’ils transcendent dans cet album solaire avec une voix éclatante, légère ou grave, toujours émouvante. Sur des compositions et des rythmes réminiscents du rock et de la soul-pop des années 70. C’est It will all come around. C’est FM Laeti. Et c’est un bonheur.

14 JANVIER – Espace Henri Miller
26 JANVIER – Rock the Casbah
2 FEVRIER – Zurich – Xtra Podium
3 FEVRIER – Fribourg – La Spirale
25 FEVRIER – Cabourg – Festival « Monte le son »
29 FEVRIER – Alencon – La Luciole
2 FEVRIER – Sarzeau
17 MARS – Genève – Epicentre – Suisse
19 MARS – Festival Chorus des Hauts de Seine
26 MARS – Café de la danse
6 AVRIL – Nanterre – Daniel Féry

Les Cowboys Fringants, un groupe au parcours exceptionnel ! À ce jour, ils ont vendu plus de 800 000 albums dans la francophonie… Ils parcourent les routes du Québec et de l’Europe francophone en remplissant encore et toujours les salles à chacun de leur passage… Ils ont gagné plusieurs Félix aux divers Gala de l’ADISQ : Groupe de l’année, Spectacle de l’année, Meilleur clip, Chanson populaire pour Les étoiles filantes… Ils ont mis sur pied la Fondation Cowboys Fringants qui se concentre sur des projets de conservation de la nature et de sauvegarde des écosystèmes menacés en territoire québécois…

Les fans fidèles des débuts ont vieilli et sont, pour plusieurs, toujours au rendez-vous. Des gens de toutes générations, allant des jeunes enfants aux têtes grises, se sont greffés à cette mosaïque d’amateurs fringants et ne font que confirmer le côté fédérateur du groupe, ainsi que leur impact sur la société québécoise. Les chansons des Cowboys Fringants ont été et sont encore le « décor » et la toile de fond de la vie de milliers de personnes. Les Cowboys Fringants, c’est une célébration par la chanson sans pareille dans la francophonie.

25/01 – Lille – Aéronef
27/01 – Amnéville – Le Galaxie
28/01 – Strasbourg – Zénith
31/01 – Rennes – Liberté
1/02 – Nantes – La Trocardière
3/02 – Toulouse – Le Phare
4/02 – Bordeaux – Médoquine
06/02 – PARIS – OLYMPIA
07/02 – PARIS – OLYMPIA
13/02 – PARIS – OLYMPIA (date supplémentaire)
9/02 – Lyon – Halle Tony Garnier
10/02 – Genève – Arena
11/02 – Marseille – La Silo
15/02 – Bruxelles – Forest National

Les Cowboys Fringants, un groupe au parcours exceptionnel ! À ce jour, ils ont vendu plus de 800 000 albums dans la francophonie… Ils parcourent les routes du Québec et de l’Europe francophone en remplissant encore et toujours les salles à chacun de leur passage… Ils ont gagné plusieurs Félix aux divers Gala de l’ADISQ : Groupe de l’année, Spectacle de l’année, Meilleur clip, Chanson populaire pour Les étoiles filantes… Ils ont mis sur pied la Fondation Cowboys Fringants qui se concentre sur des projets de conservation de la nature et de sauvegarde des écosystèmes menacés en territoire québécois…

Les fans fidèles des débuts ont vieilli et sont, pour plusieurs, toujours au rendez-vous. Des gens de toutes générations, allant des jeunes enfants aux têtes grises, se sont greffés à cette mosaïque d’amateurs fringants et ne font que confirmer le côté fédérateur du groupe, ainsi que leur impact sur la société québécoise. Les chansons des Cowboys Fringants ont été et sont encore le « décor » et la toile de fond de la vie de milliers de personnes. Les Cowboys Fringants, c’est une célébration par la chanson sans pareille dans la francophonie.

25/01 – Lille – Aéronef
27/01 – Amnéville – Le Galaxie
28/01 – Strasbourg – Zénith
31/01 – Rennes – Liberté
1/02 – Nantes – La Trocardière
3/02 – Toulouse – Le Phare
4/02 – Bordeaux – Médoquine
06/02 – PARIS – OLYMPIA
07/02 – PARIS – OLYMPIA
13/02 – PARIS – OLYMPIA (date supplémentaire)
9/02 – Lyon – Halle Tony Garnier
10/02 – Genève – Arena
11/02 – Marseille – La Silo
15/02 – Bruxelles – Forest National

Allez, on ressort “le” Caravan. Toujours Palace, mais flambant neuf et recustomisé. Dans les bacs et, déjà, sur la route. Le groupe surprise de la précédente décennie, labellisé “Electro Swing” et tête de pont d’un courant on ne peut plus informel mais diablement tonique, sort un second album au titre qui sonne dru, “Panic !”. Caravan Palace creuse et enrichit le sillon tracé par l’opus précédent, disque de platine (150 000 exemplaires vendus), une aventure épatante pour un groupe surgi du néant… ou presque.

Leur force initiale, c’est une passion commune (jamais démentie depuis) pour la musique électronique. Charles, Arnaud et Hugues, le trio de départ, kiffe par ailleurs le swing, surtout le jazz manouche, et tâte allègrement les instruments de prédilection du genre, guitare, contrebasse et violon. D’où cette cuisine, pas si étrange en fait, entre l’éternel (Django) et l’instant (l’électro). Mieux que du rétro-futurisme, vu que “ça joue”. Quelques annonces sur myspace plus tard, les voilà presque doublés de volume, avec Chapi et la pétulante Colotis.

Bien avant le disque, ils sont “on ze road”. Le concert fondateur de Caravan Palace, c’est au Festival Django Reinhardt de Samois en 2007. Morts de trouille de se retrouver d’emblée propulsés au Panthéon du jazz manouche, ils en ressortent avec un posse (un fan club comme dans le hip hop) qui les suit partout. La rumeur commence à courir, le titre phare “Jolie Coquine” aussi. Le disque suit une bonne année plus tard, avec le succès que l’on sait, doublé de tournées hexagonales et européennes, lesquelles ont culminé sur un Olymp… ia archi-comble qu’ils ont tout bonnement retourné. On pogotte sur du swing, du jamais vu…

Là-dessus, à l’automne 2010, stop. Un mois de break et… cogitation du nouveau disque. Comment mitonne t’on un album, chez Caravan Palace ? Eh bien, chacun dans son labo, les fichiers du jour courent de l’un à l’autre le soir, ça cogite le soir et ça re-circule le lendemain. Si ça réagit vite, c’est bon signe. Le “poum tchac” de base du premier disque fait place à des rythmiques plus sophistiquées, moins gimmick, plus variées aussi, et des couleurs parfois aux frontières de ce trip hop qu’ils affectionnent. Car Massive Attack les titille toujours autant, mais aussi les créatifs du label Ninja Tune, l’electro minimal d’Isolée ou le grand bazar hip hop rock de Gorillaz. Que des top-références. D’un autre côté, ils plongent dans l’univers du swing jazz des années 30 et 40, tel Fletcher Henderson voire quelques méconnus, Charlie Chavers ou Mildred Bailey.

En six mois, une quarantaine de titres s’accumulent. Il est temps de passer au studio. Sur place, une quinzaine de claviers, généralement vintage. Inlassablement, ils décloisonnent, essaient, tranchent. Quatorze titres vont s’imposer. Au chant, la toujours bondissante Colotis, et sur deux titres, celle qui a un temps participé à l’aventure, Cyrille-Aimée. Plus le renfort de Toustou, désormais caravanier à plein temps. Egrenons le chapelet !

Clash

Ca commence … véner et rigolo ! Un étonnant mix de swing up tempo avec foultitude de sons hachés menu, à la fois technologique et aux confins du rock, à l’époque où on l’appelait bop (au diable les étiquettes !). D’emblée, un grand pas –sportif- par rapport au Caravan Palace première génération.

12 juin 3049

Une ballade sur tempo délicieusement alangui mais sans mollesse, samples de (grande) époque, cordes en spirale et vibraphone étirant le temps. Vu le titre, on flirte avec l’anticipation.

Beatophone

Beat frénétique et chant qui prend son temps (au fond de la cour !), un télescopage détonnant, avec breaks en cascade pour reprendre (un instant) son souffle. Histoire de mieux le reperdre.

Cotton heads

Une escapade presque pop qui atteste de l’ouverture sur d’autres horizons de Caravan Palace. Ethéré, aux limites de l’apesanteur, mais toujours ce grain de swing rivé au tempo, avec clavier primesautier.

Dirty side

Oui, dirty, le côté sale gosse des Caravan, excité et frénétique, chimique, bref, destroy… avec une voix limite sardonique et un piano moqueur. Plus un vibraphone façon Lionel Hampton. De quoi affoler la boussole à musique !

Dramophone

Ciel, les Andrew Sisters reviennent. Mais avec des paillettes synthétiques. En fait, c’est un coup de Cyril-Aimée Daudel, intérimaire de talent de Caravan Palace. Sans doute le titre qui fait le mieux le pont avec le 1° album.

Glory of nelly

Escapade londonienne, une autre échappée belle de Caravan Palace, avec au chant… pardon… au toast, sista Colotis. L’improbable et fugace mix swing ragga, avec plan séquence riche en mur de cuivres et tapis de cordes.

Maniac

On prend un zeste de Gorillaz, avec voix traînante, on y ajoute des giclées de synthés seventies (genre François de Roubaix), une pincée de guitare butineuse à la Django, comme étonnée d’être là. Et on touille…

Newbop

Tout simplement parce que new et bop à la fois. Scat voltigeur et pied ferme, avec beak à répétition, comme pour poser le pas, histoire de mieux repartir. Et pour clore le chapitre, une guitare tricoteuse.

Panic !

Ca commence avec un dialogue angoissant de film de science fiction. Toujours le tempo, mais un environnement plus minimal, comprimé, avec refrain comme aspiré. Finalement, pas de panique, on arrive au bout.

Pirates

Guitare d’intro à la Django, mais on part vite vers d’autres contrées, surprenantes. Traitement du son expérimental. La trompette revient au jazz, les harmonies vocales s’en éloignent. Un grand écart plein de charme.

Queens

Lazy beat, mais la paresse n’est qu’apparente. On est au fond du temps, le traitement dub et la voix de Colotis, loin derrière, donne à ce thème down tempo un air encore plus atmosphérique, perdu dans les brumes…

Rock it for me

Tiens, du rockabilly, ce cousin campagnard (bâtard ?) du swing… Les années 30 fraient avec les fifties. Mais ça, c’est du passé. Comme quoi au 21° siècle, ces genres apparemment lointains peuvent cohabiter, avec écho garanti.

Sydney

Pour clore la visite, une valse iconoclaste : la voix de Cyril-Aimée est glamour à souhait, avec en soutien, un chœur moiré et un final joliment chaloupé. Caravan Palace vous tire sa révérence.

Il ne vous reste plus qu’à vous accrocher au… Caravan. Le monde à l’envers, c’est salutaire.

Rémy Kolpa Kopoul

ConneXionneur

Radio Nova – Paris

19.11 – LE MANS – PARC DES EXPOSITIONS
13.03 – ANGOULEME – LA NEF
15.03 – CAEN – LE CARGO
16.03 – ST HERBLAIN – LA CARRIERE
17.03 – ROUEN – 106
19.03 – PARIS – TRIANON
20.03 – PARIS – TRIANON
21.03 – PARIS – TRIANON
27.03 – ISTRES – L’USINE
28.03 – NICE – LINO VENTURA
29.03 – TOULOUSE – LE PHARE
30.03 – ANNECY – ARCADIUM
31.03 – CLERMONT-FERRAND – COOPERATIVE DE MAI
14.04 – CRANS – CAPRICES FESTIVAL
20.04 – LYON – TRANSBORDEUR
21.04 – STRASBOURG – FESTIVAL DES ARTEFACTS
16.05 – SAINT ETIENNE – ZENITH
18.05 – BRETIGNOLLES SUR MER – MAIN STAGE
01.06 – BULLIGNY – FESTIVAL JARDIN DU MICHEL
23.06 – RUOMS – GRANDE SALLE
13.07 – LA ROCHELLE – ST JEAN D’ACRE
28.07 – RONQUIERES – SCENE II
04.08 – FLOREFFE – FEST. ESPERANZAH! 2012
10.08 – CONFOLENS – FESTIVAL CONFOLENS

Après deux albums couronnés de succès (« De verre en vers », « Le coquelicot »), Yves Jamait sort enfin son nouvel opus. Baptisé « Je passais par hasard », le nouvel album de ce « chanteur né sur le tard » est certes moins autobiographique mais d’une qualité toujours aussi rare, avec des chansons dont l’écriture a encore gagné en exigence et dont les mélodies se sont enrichies avec des orchestrations plus souples et mosaïques.

Artiste majuscule, Yves Jamait, sorte de Gaston Montehus des temps modernes, n’a jamais dévié d’une trajectoire oblique qui a forgé sa singularité, imperméable aux conventions et formatages d’un milieu du show business, dans lequel « il est passé par hasard » comme parachuté pour notre plus grand bonheur avant de s’y installer, on l’espère pour longtemps, avec son chant de sève et de convictions, son écriture au cordeau, chantant comme personne les éclopés de la vie, l’âpreté du quotidien, les jours décolorés, le rêve de l’être aimée.
Car, c’est en homme libre qu’il trace sa route dans la chanson française, à l’image du coquelicot, fleur rebelle et indomptable qui peuple les terrains vagues, et qui ornait la pochette de son précédent album.

Finies les imperfections de jeunesse du premier album et l’épreuve au tournant et à la corde du second opus où l’on doit gagner ses galons. Ici, dans ce troisième disque, c’est un Yves Jamait plus serein, qui se départit de l’urgence à donner de l’émotion brute, se faisant moins nombriliste, davantage citoyen et plus concerné, regardant l’époque et s’ouvrant même à d’autres auteurs et compositeurs (Bernard Joyet, Allain Leprest, Dorothée Daniel, …) qui se présente à nous. L’album de la maturité diront certains de manière convenue. Certes, sauf que l’album comporte suffisamment de sève pour figurer d’emblée parmi les temps forts de cette fin d’année.

Bien que continuant toujours à draguer dans l’eau courante du quotidien les situations saisies au cru de la vie, les infimes brisures, les joies minuscules, ces mille choses de rien, Yves Jamait sort, pour la première fois, du vase clos de sa poétique des bistrots et des abysses vertigineuses de ses démons intérieurs, pour élargir son champ d’inspiration avec toujours ce thème omniprésent de l’amour qui court ici et là tout au long de l’album.

A commencer par l’amour porté par « Des mains de femme », titre original, rarement traité, ode à la gestuelle féminine et à sa beauté et qui ouvre l’album. Des mains de femme de son enfance qui le consolaient et qui le guidaient, en passant par des mains qui travaillent le jour ou caressent la nuit, « des mains usées dont les doigts gourds n’auront jamais été vernis, des mains qui s’insinuent galantes, et déboutonnent la pudeur, et d’autres qui chastes se gantent de la plus douce des candeurs » et d’autres tremblantes et veineuses « comme des ceps », «des mains noueuses par trop d’automnes fatiguées ». Un petit bijou d’écriture. Certainement une des chansons les plus abouties de l’album.

Des amours détroussées et mises en danger également comme le superbe « Quitte moi », écrite par Bernard Joyet, sorte d’appel vibrant à l’être aimé pour mettre à l’épreuve un amour qui se serait assoupi et s’émousserait à l’usure du temps et de l’habitude. « Quitte moi, quittons nous juste un peu trop longtemps pour que nous ressentions le bonheur d’être tristes / Loin des yeux loin du corps pour que l’envie résiste que je te dise viens et pour que tu me rêves » ; des amours adultérines avec la chanson « Les deux amants » d’Ute Lemper, sans oublier le versant le plus sombre de l’amour, celui de la violence conjugale sourde, tapie avec la chanson « Je passais par hasard » et puis, l’amour, le vrai, celui qui se déclare avec la merveilleuse chanson piano-voix « En deux mots », véritable déclaration d’amour à l’être aimée, sa femme Géraldine. Il y a, sur cette chanson, entre la pianiste Dorothée Daniel (qui signe également la chanson « Je suis vivant »), le trompettiste Thierry Caens et lui, cet échange magique, que l’on perçoit chez les grands improvisateurs de jazz. Les touches noires et blanches parlent la langue qu’aime Yves Jamait : celle du cœur.
Le dépouillement musical va comme un gant de dentelle à son verbe de velours qui s’éclot de sa gorge, pour s’envoler à la manière d’une colombe.

Autre chanson qui parle la langue du cœur : « Nous nous reverrons » où l’on se rend compte que le répertoire d’Yves Jamait peut glisser de mots rêches en maux d’époque, celle des reconduites aux frontières, de l’épineux problème de l’immigration et de ses déchirures. Pour l’occasion, il a eu l’heureuse idée de greffer à son écriture raffinée et sensible le chant taillé dans le cristal en wolof de Mansour, dont le timbre est précieux comme une fleur rare et exotique. Car, en filigrane, certains textes de cet incorrigible rêveur en perpétuelle « quête de bien-être » ne renient pas la critique sociale tout en évitant dans ses ressentis chantés les écueils de la naïveté, à l’instar de sa chanson « Athées souhaits », où il ne manque pas d’égratigner les religions, en se faisant le porte-voix en chansons des athées, voire des agnostiques.

Enfin, Yves Jamait retrouve des accents plus légers, à la plume trempée dans l’encre de l’humour avec « Boa bonheur », offrande d’un de ses pairs qu’il admire, Allain Leprest, mais surtout avec sa chanson « Célibataire ». Maniant l’arquebuse du verbe et la coutille de l’humour avec dextérité, il conte la vie et le quotidien tout en le dédramatisant d’un célibataire qui « vit tout seul, parle tout seul, dors tout seul, rêve tout seul et baise tout seul ». Du Jamait pur jus au style dont lui seul a l’apanage.

Jugez-en encore : « Vendredi soir, j’irai dépenser mon ennui, errant à la recherche d’autres solitudes égarées comme moi et la soirée finie se fera dans les bras vides de l’habitude ». Magnifique.

En peu de temps, Yves Jamait a su imposer un style, comme l’imprimatur d’un diamant brut à la chanson française.

Plus que son salut, Yves Jamait a trouvé dans la chanson sa voie intérieure et, ce nouvel album, en est l’illustration la plus éclatante. Dans les clairs-obscurs de son répertoire, carmin et noir s’embrassent et s’embrasent.

Et, Jamait de célébrer la vie, lorsqu’il interprète « Les mots chocolat », chanson la plus attendrissante qui clôt l’album, interprétée avec sa petite fille, comme de danser sur la mort au moindre souffle, sans bannières, ni oeillères.

Avec, à chaque fois, le même engagement, la même émotion et énergie à faire de la musique.
Une musique qui touche droit au cœur.

Dominique Parravano

Révélé au grand public grâce à l’album « la Marmaille nue » en 1993 (vendu à plus de 100 000 exemplaires en France), Mano Solo, artiste pluridisciplinaire, était suivi par un public fidèle. Sa riche discographie (10 albums) est le reflet d’un rock alternatif au répertoire écorché vif et empreint de révolte.

Vous connaissez peut-être Sophie Barker comme l’une des chanteuses de l’album de Zero 7 Simple Things, cette voix ample et chaleureuse qui ouvre le hit incontournable ‘In the Waiting Line’. À moins que vous ne la connaissiez pour son travail au sein de Groove Armada, The Egg, Grooverider, chez Robin Guthrie (Cocteau Twins) et Muki, ou encore pour Earthbound, son précédent album. Sophie Barker a également travaillé sur The Rainbow Collections, une série de musiques pour enfants. Elle n’a certainement pas perdu son temps lors de ces dix dernières années, mais la sortie de son nouvel album, Seagull, vous permettra enfin de connaître la véritable Sophie Barker.

Le nouvel album solo de Sophie Barker, Seagull, nous la fait redécouvrir avec un son plus mélancolique. Elle parle de ce nouvel opus, sorti sur le label Ho Hum Records, avec une excitation palpable : « Cet album est le fruit d’un heureux hasard, mais il s’est fait de la manière la plus naturelle du monde. »

Certaines des chansons de Seagull ont vu le jour dès 2006, ce qui démontre à quel point sa gestation a été longue. Les idées de Sophie se sont cristallisées autour de ses réflexions sur les changements affectant notre monde, et la manière dont elle essayait de les digérer. « Les mouettes venaient en ville, j’essayais de m’imaginer ce qu’elles pouvaient voir. Tout était sans dessus dessous. » C’est le concept d’une ville bouillonnante d’activité durant la journée, et dont la créativité, qui ne prend vie qu’à la nuit venue, tente de créer des connexions, qu’elles soient émotionnelles ou romantiques. Jonathan Livingston le Goéland de Richard Bach, fable centrée sur un goéland avant-gardiste assoiffé de connaissance, a également été une influence de premier plan pour son travail.

C’est ce même désir de se libérer, cette même quête, qui a fait que l’album a mis si longtemps à faire surface. Il aura fallu de longs mois pour faire abstraction de toutes les distractions et enfin trouver la lumière. Durant les années 2007 et 2008, Sophie a essayé de travailler avec de nombreuses personnes de tous horizons : des producteurs, des groupes live… mais rien n’a marché comme elle l’entendait. « Il y a eu un moment où je me suis demandé si cet album allait finir par se concrétiser un jour. » Mais la frustration s’est finalement envolée lorsqu’elle a rencontré Alex Pilkington et Mark Tucker, les co-gérants de Ho Hum Records, également producteurs de l’album.

« Ils ont apporté un grand soulagement et une merveilleuse sensation d’harmonisation. Je venais de trouver les producteurs et le groupe dont je rêvais depuis des années. » Le groupe en question est composé d’amis de très longue date, « un collectif fraîchement conçu de gens fantastiques qui adorent jouer de la musique selon leurs propres impulsions », dont Sam Johnson et Laurence Clack de Lucky Elephant. La foi de Sophie a perduré bien au-delà de sa patience et aujourd’hui, elle contemple avec une joie non dissimulée le résultat de ses années de travail.

« La sensation magique que je ressens aujourd’hui est comparable à ce que je ressentais aux débuts de Zero 7 », ajoute Sophie. Elle a connu l’amour, elle l’a perdu, elle a vu ses attaches à la ville dans laquelle elle est née se disjoindre lentement, elle a même aidé à fonder la Rainbow Collections Children’s Foundation, une association caritative qui a permis de lever des fonds et de reconstruire une école au Kenya. Elle a passé du temps en Afrique avec des enfants prêts à marcher deux kilomètres jusqu’à leur école, plus pour avoir l’impression de s’intégrer dans une communauté que pour avoir accès à la nourriture ou à l’eau courante. Ça lui a donné une nouvelle vision des choses, évidente tout au long de l’album Seagull, tant ses thèmes renvoient à la fascination de Sophie pour l’imaginaire, le refus de la négativité et la volonté de se satisfaire de ce que l’on a plutôt que de ce que l’on n’a pas.

« On a besoin de donner, et d’aimer tout au long de notre existence, sans jamais s’arrêter », affirme Sophie. « Ma musique me permet de le faire d’une manière limpide, sans une once d’artificialité. » Les chansons de Sophie Barker suivent un processus créatif minimaliste, elles sont dépouillées de tout artifice. Dès qu’elle compose un texte ou une mélodie, elle se précipite en studio pour en sortir des chansons entières.

La musique de son nouvel album est plus sincère que jamais, les idées passent librement de leur stade embryonnaire à leur état actuel. La touche studio, fine et légère, de Ho Hum leur donne une certaine concision. Vous y reconnaîtrez des chorus Motownesques, l’influence de Joni Mitchell et des beats flirtant parfois avec le trip-hop. La montée en puissance, si honnête et si ouverte, des paroles minimalistes, qui finissent par exploser en un chorus déchirant sur ‘Say Goodbye’ montre clairement comment se manifestent les émotions de Sophie : « Je crois qu’il faut se connecter à un maximum de gens, et que chaque personne compte de nombreuses âmes sœurs. Il faut aimer sans jamais s’imposer de limites, il faut savoir laisser les choses derrière soi, puis se faire à l’idée de la réconciliation. » Plus loin dans l’album, ‘Bluebell’, un morceau enjoué débordant d’intenses images estivales, fait basculer l’ambiance de l’album loin de ces adieux passionnés.

Seagull parle de confiance, d’amour et de ces émotions qui se métamorphosent constamment. L’album prêche la compréhension de tous ceux qui nous entourent, et prône la libération de chacun. « Je parle d’honnêteté et d’authenticité, de notre besoin de rester naturels », explique Sophie. « Je ne suis pas hippie, c’est juste une solution de repli pour quand les choses n’avancent pas comme il faut. » L’album caractérise Sophie plus que jamais comme un esprit indépendant armé d’une superbe collection de chansons mélancoliques et spirituelles. Une conclusion appropriée à cette longue genèse.

En moins de dix ans, Corneille a su s’imposer comme un artiste essentiel, inclassable. Parce Qu’on Vient De Loin, splendide album dont le titre faisait directement référence à son enfance rwandaise, révélait une sensibilité hors du commun, mais aussi un don certain pour la mélodie.

Depuis cette fulgurante carte de visite, Corneille, accompagné de son gang de musiciens canadiens, a convaincu le grand public que sa présence scénique était à la hauteur de ses productions discographiques.

Mais le statu quo n’existe pas quand on est un artiste. La prise de risque fait partie de la vie des chanteurs. Corneille le sait mieux que quiconque. C’est pourquoi en 2007, il a proposé à ses fans The Birth Of Cornelius, un album en langue anglaise sorti aux Etats-Unis sur le prestigieux label Motown. En 2009, il sort Sans Titre, coécrit avec sa femme Sofia De Medeiros. « C’était un album fait dans un état d’esprit particulier, presque en isolement complet, sans me soucier de la réception qu’il pouvait avoir. Quand on a atteint une certaine notoriété, il y a des questions qu’on se pose, on se demande ce que le public attend et on essaie de s’en éloigner pour retrouver une pureté artistique. Sans Titre, c’était une façon de réagir contre quelque chose que j’avais mal vécu avec la notoriété ».

Peu de temps après, Corneille devient père. Un événement qui a son importance sur l’écriture de son nouvel album, qu’il commence à concevoir en 2010. « J’ai pris ma plume et mon calepin, j’ai écrit. C’était en été, et je ne savais pas trop dans quelle direction j’allais. Ça coïncidait avec la naissance de mon fils, et la paternité m’a amené beaucoup d’humilité. En plus, c’était la première fois que de mon vivant, le monde traversait une vraie crise économique. J’avais des amis qui avaient du mal financièrement, plein d’artistes confirmés ont connu le même problème que moi. Et j’ai relativisé en écrivant. Je fais de la musique pour que les autres l’entendent ».Le changement est fulgurant, la maturité évidente. Une nouvelle étape est franchie.

Quitte à évoluer, autant y aller franchement. Cette fois, Corneille ne conçoit pas son disque avec son équipe habituelle. Le destin lui fait un clin d’œil : il retrouve Marco Volcy, un musicien avec lequel il avait enregistré ses premières maquettes et qui, hasard, habite juste à côté de chez lui. « On ne s’était pas vus depuis dix ans ! » raconte Corneille. « On a fait une chanson pour une compilation, et ça a été tellement facile que je lui ai proposé de collaborer à deux ou trois morceaux sur mon nouvel album. Histoire de voir où ça nous menait. En une session de trois heures, on avait fini “Au Bout De Nos Peines“. Ça m’a tellement plu que j’ai eu envie d’enregistrer tout l’album avec lui ».

Corneille a trouvé son double. Marco façonne en sa compagnie les sons de ce projet ambitieux qu’est Les Inséparables. Cinq mois de travail, trois jours par semaine, et le disque est enregistré. On y entend les influences de ce R&B hip-hop américain qui passionne Corneille. On y entend aussi les guitares de Lokua Kanza sur « Au Bout De Nos Peines » et « Les Inséparables ». Un clin d’œil à l’Afrique et à cette musique congolaise que Corneille écoutait enfant, au Rwanda. L’album assure un équilibre subtil entre la soul, la chanson populaire et le R&B, avec cette touche rapologique qui est désormais le nouvel élément du nouveau son griffé Corneille. Un son ouvert, à l’écoute des bruits d’aujourd’hui, celui d’un artiste en prise direct avec le présent, sorti de sa bulle.

« Le Jour Après La Fin Du Monde » s’impose comme le premier single. Une chanson qui n’a rien d’apocalyptique à part son titre, mais témoignant des nouvelles préoccupations du chanteur qui se demande désormais comment son gamin va grandir dans ce monde matérialiste. « Que fera-t-on quand l’Aston n’impressionnera plus personne ? », s’interroge-t-il. Après quelques années d’observation, Corneille a plongé dans le bain du rap français avec « Le Meilleur Du Monde », sur lequel il tend le micro à TLF. Une réussite qui lui a donné envie de continuer sa collaboration avec les têtes du hip-hop. Quand il compose « Des Pères, Des Hommes Et Des Frères », il laisse seize mesures pour un rappeur. « Il me fallait quelqu’un avec un flow US. La Fouine, on sent qu’il est très influencé par les rappeurs américains, mais il le fait à sa sauce ». Et Laouni/La Fouine relève le défi, écrivant son texte d’une traite. Sur « Au Bout De Nos Peines », le Marseillais Soprano amène son accent, son énergie et son humanisme.

Le fil conducteur de l’album, c’est la paternité. « Je m’en suis rendu compte une fois l’album fini », explique Corneille. « “Tout Ce Que Tu Pourras“ est une chanson pour mon fils. “Les Inséparables“ m’a été inspiré par ce discours sur l’identité qu’on entend à tort et à travers. C’est un point très sensible chez moi. Je suis né en Allemagne, à six ans on m’a débarqué au Rwanda, à 17 ans il a fallu que je retourne en Allemagne, je suis au Canada aujourd’hui et ma carrière a commencé en France. À chaque fois qu’on me parle d’identité, ça vient me gratouiller un petit peu. Cette chanson, c’est pour dire quelque chose qu’on entend peut-être souvent mais qu’il est important de souligner, c’est qu’on fait partie d’une génération qui ne veut pas qu’on se sépare. Sur tout l’album, il est question d’unité ».

Les Inséparables, c’est le retour de Corneille dans la cour des grands. Un album ambitieux, émouvant, celui d’un artiste qu’on ne présente plus, mais qui n’a définitivement pas fini de nous étonner et de nous toucher.

Olivier Cachin

04/02/2012 – Salle Daniel Fery, NANTERRE (92) (France)
07/02/2012 – Centre Culturel, PORTO VECCHIO (20) (France)
08/02/2012 – L’espace Julien, MARSEILLE (13) (France)
10/02/2012 – L’Omnibus, SAINT-MALO (35) (France)
12/02/2012 – File 7, MAGNY LE HONGRE (77) (France)
15/02/2012 – Le Bataclan, PARIS (75) (France)
17/02/2012 – L’Atrium, FORT DE FRANCE (Martinique) (France)
18/02/2012 – P.a de Jarry, BAIE MAHAULT (Guadeloupe) (France)
22/02/2012 – La Laiterie, STRASBOURG (67) (France)
08/06/2012 – Le Transbordeur, LYON (69) (France)